Encargos del 17º Festival de Música de Tres Cantos

Pablo Díaz Sánchez

Foto Pablo DíazNació en Santa Cruz de Tenerife en 1997. Estudió violín en la Escuela Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska de Madrid con el violinista Sergey Teslya. Desde el curso 2013-2014 es alumno de la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, con el profesor titular Marco Rizzi, becado por el Cabildo de Tenerife, AIE y Fundación Albéniz.

Ganó el Primer Premio en la Fase Autonómica de la Comunidad de Madrid y el Tercer Premio y Premio Especial al Mejor Intérprete de Cuerda en el 11º Certamen Nacional de Interpretación «Intercentros Melómano».

Es miembro del Trío Ramales, con el que desarrolla una importante actividad musical que se refleja en sus numerosas actuaciones en distintos escenarios y su participación en diversos concursos (Concurso de Música de Cámara Ecoparque de Trasmiera, Concurso Internacional de Música de Cámara Antón García Abril y Ciclo «El Primer Auditorio» de la Fundación Più Mosso).

Como compositor, se forma con el profesor David del Puerto. En 2012 fue invitado por PROMUSCAN para tocar su Impromptu para violín y piano en el Festival de Jóvenes Compositores Canarios, y en 2016 su Trío para violín, violonchelo y piano fue estrenado por el Trío Ramales en el Festival Sierra Musical de Madrid. El mismo año asistió a la Academia del Festival de Santander cuyo invitado fue Krzysztof Penderecki, y posteriormente participó en el curso de composición en el Royal Conservatory of Glasgow, donde se estrenó su obra para sexteto de flauta, clarinete violín, violonchelo, piano y percusión, Eizo. Asimismo, en 2017 estrenará su Cuarteto de Cuerda n.º 1 en Re sostenido menor, una serie de pequeñas piezas para violín solo inspiradas en poemas de Miguel Hernández, que serán recitados por el actor de teatro Manuel Galiana, y su Sonata para saxofón y piano en el Festival de Música de Tres Cantos. Ha realizado también una serie de transcripciones para violín y piano de obras de Scriabin o Ligeti, así como para cuarteto de cuerda de Iberia de Albéniz y la Sonata en Si menor de Liszt. Además, está interesado en la composición de bandas sonoras para películas y videojuegos, así como en la producción musical.

Sonata para saxofón y piano, Op. 9

Compuse la Sonata para saxofón y piano, Op. 9 en el verano de 2017 por encargo del Festival de Música de Tres Cantos. Consta de dos movimientos muy contrastantes entre sí, pero manteniendo ciertos elementos que dan unidad a la obra completa: modalidad y atonalidad, variedad de ritmos, timbres y colores, así como la utilización de recursos matemáticos para la obtención de células temáticas. Para ello, me serví de la inspiración de varios compositores del siglo xx y xxi, pero supone una continuación en la exploración de mi momento compositivo, en el deseo de encontrar un sello propio sin renegar de la influencia que han ejercido sobre la música otras técnicas en el pasado.

El primer movimiento (Adagio freddo) es un movimiento oscuro, distante; en él, el saxofón tiene una importancia melódica, y el piano lo presenta con un ostinato que se repetirá a lo largo de la obra. Además, explora técnicas extendidas en ambos instrumentos, tales como tocar dentro del piano, slap tongue o multifónicos. El segundo movimiento (Presto) es un scherzo burlón e irónico, muy contrastante y rítmico, con una constante sensación de ebullición, donde prácticamente no hay pausa y paulatinamente se va desatando una furia reminiscente del movimiento anterior.

Quiero reflejar con esta sonata un estilo donde prime el eclecticismo, sin ceñirse a una única visión compositiva. Esta búsqueda me la ha permitido la gran versatilidad que tienen el piano y el saxofón.

 

Jorge Fernández Guerra

jorgefernandezguerra.com

J Fernandez GuerraJorge Fernández Guerra nace en Madrid en 1952. Realizó estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Conchita Rodríguez, piano; Hermes Kriales, violín; Federico Sopeña y Antonio Gallego, historia de la música; Ángel Arteaga, armonía; Francisco Calés, contrapunto y fuga; y Luis de Pablo, composición, análisis y técnicas no occidentales. Paralelamente a sus estudios musicales, en la década de los 70, se integró en el movimiento del teatro independiente que contribuyó a transformar la escena española; realizó estudios teatrales con José Carlos Plaza, William Layton, Arnold Taraborrelli, Pilar Francés, Roy Hart Theatre, etc., y formó parte como músico de escena, compositor e incluso actor de grupos como TEI, Tábano o CIT.

A principios de los años 80 se dio a conocer como compositor, pasando pronto a ser una de las voces más significativas de la escena madrileña. En 1986 el Ministerio de Cultura le encargó la primera de una serie de óperas destinadas a jóvenes compositores, el resultado sería Sin demonio no hay fortuna, que se estrenó en la Sala Olimpia de Madrid en 1987 con enorme expectación. La enciclopedia New Grove Dictionary of Opera la declaraba poco más tarde: «La ópera más importante estrenada en Madrid desde el advenimiento de la democracia». En 1987 estrenó su primera obra orquestal, Los ojos verdes, encargo del Festival de Alicante que sería, más tarde, grabada en disco por la London Philharmonic Orchestra. En 1989 se trasladó a vivir a París, donde residió en alternancia con Madrid hasta 1998; realizó cursos en el IRCAM y en la Université Européenne de la Recherche, y mantuvo contactos estables con grupos musicales, como la Association l’Instant Donné, con la que estrenó dos de sus obras: Espace Brisé (1994) y Regard perdu dans L (1995).

Hay que reseñar el trío de cuerda Workin’ Problems, estrenado en 2005 en la Fundación March de Madrid, dentro de los actos de su cincuentenario; su cuarteto de cuerda, Bach is the name, encargado y estrenado dentro de la temporada del Liceo de Cámara de la Fundación Caja Madrid de octubre de 2006; la obra para conjunto instrumental Nova, noviembre de 2006, Festival de Música Española de Cádiz; Beyond Scarlatti, encargo de la SECC, estrenado el 25 de noviembre de 2008 en la Residencia de Estudiantes de Madrid; La esfera de Pascal, encargo de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, marzo de 2008; About Klee, para orquesta, estrenada en el Festival de verano de San Lorenzo de El Escorial, julio de 2009; Los niños han gritado (2009-10), estrenada en el Teatro del Centro Cultural Galileo de Madrid el 13 de junio de 2011; Quasi una serenata (2011), encargo del CNDM estrenada en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía de Madrid por el Ensemble NeoArs Sonora; y Aquel que sin amor (2011), encargo de la Fundación Canal de Madrid y estrenada el 26 de febrero de 2012 en el Auditorio de la citada Fundación; su última obra de cámara, Pánico en Wall Street, se ha estrenado el 29 de abril de 2015 en la Fundación March de Madrid a cargo del Ensemble Kuraia. Entre sus últimas obras destacan Kedem, para guitarra; Calle 1061, encargo de Oviedo Filarmonía y estrenada en el Auditorio Príncipe Felipe el 17 de febrero de 2016 bajo la dirección de Tung-Chieh Chuang; y Mil sueños, encargo del INAEM estrenada en el IVAM de Valencia por PluralEnsemble, dirigido por Fabián Panisello.

En 2012 se presenta su disco Los niños han gritado, a cargo del Ensemble Residencias, y dentro del sello Compositores españoles y latinoamericanos actuales de la Fundación BBVA-Verso. Incluye las obras Workin’ Problems, Oceánicas, Interstellar sound y Los niños han gritado.

A finales de 2012 crea la compañía laperaÓpera para contribuir al desarrollo de la creación operística española. Con este proyecto ha estrenado dos producciones operísticas de pequeño formato: Tres desechos en forma de ópera, presentada en el Teatro Guindalera de Madrid el 21 de diciembre de 2012, y Angelus novus, estrenada el 21 de mayo de 2015 en Teatros del Canal de Madrid, ambas con música y libreto a su cargo.

Además de su trabajo de creación, ha desarrollado toda una serie de actividades de comunicación y gestión que le han convertido en una de las personalidades más notables de su generación en esos ámbitos. De todo ello habría que destacar lo siguiente:

Como ensayista, es autor del libro Cuestiones de ópera contemporánea. Metáforas de supervivencia (Ed. GCG, Madrid, 2009); de una monografía sobre Pierre Boulez (Círculo de Bellas Artes, Madrid, 1985); de diferentes textos, como un capítulo del libro colectivo Escritos sobre Luis de Pablo (Taurus, Madrid, 1987). Es también autor de numerosos ensayos aparecidos en revistas como Creación (Instituto de Estética); Arbor (Instituto de Investigaciones científicas); Sybila; Carta (MNCARS); Revista de Libros; Art&Co, etc.

Como periodista musical, ha llevado una intensa actividad en medios como Guía del Ocio, La Luna de Madrid, Tiempo, Radio Clásica, Diario 16, Pochiss.Rall., ABC, El Mundo, El País, y otros. En 1996 fundó y dirigió, en colaboración con la crítico de arte y editora Gloria Collado, la revista Doce Notas y en 1997 Doce Notas Preliminares (monográfico bilingüe —español/francés—, de ensayo y creación artística). Desde 1998 hasta 2001 fue coordinador de música de ABC Cultural, suplemento cultural del diario ABC. Desde 2003 hasta 2008 ha colaborado con El País (suplemento cultural Babelia). Desde febrero de 2015 colabora en El País como crítico y especialista en temas musicales en la sección de Cultura.

Desde febrero de 2001 hasta septiembre de 2010 ha sido Director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea y del Festival de Música de Alicante, del INAEM (Ministerio de Cultura). En 2005 fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministère de la Culture de Francia. Ha obtenido el Premio Nacional de Música del Ministerio de Cultura en la modalidad de composición en 2007.

Black train (Para saxo alto y piano)

¿Por qué Black train? Me han hecho esta pregunta más de una vez en mi entorno mientras componía esta obra. Y me parece que arriesgar una respuesta puede dar información de la propia obra.

Durante el mes de julio pasé unos días en Gijón y todavía había memoria de la reciente Semana Negra, que moviliza a apasionados del género «negro». Lo que no sabía es que «tren negro» es el nombre que recibe el que lleva a la ciudad asturiana al grueso de participantes. Me gustó la sugerencia y me la quedé. Pero, ¿por qué en inglés?, también me lo preguntaron.

Imagino que no hay aficionado al jazz que no tenga en memoria el celebérrimo álbum de John Coltrane, Blue train. Nunca he metido las manos en el jazz y tampoco he hecho nunca una obra para saxofón, y me temo que es por la misma razón. Respeto como merece este género gigante, pero no es mi idioma. No hay ninguna valoración en ello, pero uno habla la lengua que habla.

Y llegando aquí, ¿por qué identificar tan completamente saxofón con jazz como parece sugerir mi similar distancia respecto a ambos? Esa pregunta no me la ha hecho nadie (todavía), pero yo sí me la hice. No hay una respuesta coherente y supongo que este asunto forma parte de mi lío mental. De hecho hay una fuerte tradición de música contemporánea y de vanguardia con el saxofón como protagonista, así que el problema lo tengo yo.

Cuando acometí la composición de esta obra ya no tenía tiempo para realizar una suerte de psicoanálisis musical, por lo que me lancé sin red a ese terreno mestizo y que saliera lo que tuviera que salir.

El resultado es que la «contaminación» jazz me ha acompañado en todo momento y su hollín dejó negro mi tren. Obviamente, ya tengo la suficiente experiencia como para evitar la más mínima competencia con el sonido y la inventiva de Coltrane, y seguro que cualquier aficionado al jazz me encontrará como un compositor defectuoso, mientras que la ortodoxia vanguardista no dejará de encontrar malditos pastiches en no pocos momentos. Es lo malo de las obras contaminadas, que siempre le dejan a uno con cara de tonto. Pero, en todo caso, a mí me ha servido para reconciliarme con el saxofón y la intensidad de su expresión.

 

Ramón Paús

www.ramonpaus.com

_DSC3539_bajaRamón Paús (Castellón, 1956) es un compositor de formación ecléctica, graduado por la prestigiosa Aula de Música Moderna y Jazz y becado por Larry Monroe. Estudió orquestación con diversos maestros en París y Lyon y ha cursado estudios de guitarra clásica en el Conservatori Superior del Liceu de Barcelona.

Su actividad como compositor ha destacado en muy diversos ámbitos. Para cine ha compuesto, entre otras, la banda sonora original del multipremiado largometraje Las huellas borradas del director Enrique Gabriel Lipschutz, Sombras paralelas del realizador Gerardo Gormezano, Nadie como tú de Criso Renovell y la ópera prima de Ignacio Oliva, La rosa de nadie. Asimismo, ha firmado las partituras del documental Memoria del tiempo devastado, el mediometraje Filosofía del tocador y el corto La isla de papel.

En el campo teatral, Paús ha puesto música a Las aves de Aristófanes para el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida —en una producción adaptada y dirigida por Rosa García Rodero—; Concierto para 48 voces de José Sámano, con Lola Herrera y Chete Lera; y la producción del Centro Dramático Nacional (CDN) Eslavos y Terentius, para la Red de Teatros de la Generalitat Valenciana, entre otras.

En el ámbito de la danza, ha compuesto la música de las obras No vacía y La noche para la Compañía EnclaveDanza y varias obras para la Compañía «Y» del Centro de Nuevos Creadores, mientras que sus obras de cámara y sinfónicas han podido escucharse en Japón, Francia, República Checa, Brasil, Rumanía, EE. UU., Holanda y numerosos países y ciudades de América del Sur.

Como programador de obras para piano ha destacado su curaduría del ciclo Formas del silencio, que organizó en Madrid y Bilbao en 2016, y en los últimos años ha firmado algunas de las obras para piano solo más notables de la pianística española, tales como Prosa disidente, Samambaia, Piano en Arles, o las recientes Piano nigromante o Estudio para Uracilo, un príncipe genómico, estrenadas por solistas de la talla de José Menor, Iván Martín, Eduardo Fernández, Horacio Lavandera o Josu Okiñena. Su repertorio camerístico incluye siete cuartetos de cuerda —el último, De ultramar, fue un encargo del CNDM para el Cuarteto Bretón y se estrenó el Auditorio 400 del MNCARS en 2016— y numerosas obras para ensembles mixtos como Cuarteto tucano o Apenas se oía el polvo.

La composición concertante también ha sido uno de los campos de expresión más destacables de la producción de Paús. En su haber figuran conciertos para piano, violín, violonchelo y dos conciertos para viola titulados De profundis y Cobalto azul, en tránsito. También es autor del doble concierto Elegía primera para violín, viola, orquesta de cuerda y coro masculino estrenado en el MACBA de Barcelona en 2015. Orquesta y Coro Nacionales de España estrenarán en marzo de 2018 su Concierto para clarinete bajo dentro de la Temporada 2017-18 bajo la dirección de Juanjo Mena y el solista Eduardo Raimundo.

Paús ha sido el primer español en entrar a formar parte del catálogo Warner Classics, sello en el que ha grabado el exitoso Piano Works con el respaldo de la editorial Unión Musical Ediciones (UME/The Music Sales Group), que recoge parte de la obra para piano del compositor. También destacan sus álbumes Nausica, que documenta su interés en el jazz y la experimentación, Azul de Prusia para el sello Autor y El violín del siglo xxi, una miscelánea interpretada por Manuel Guillén con obras elegidas de Paús. El sello Naxos publicará próximamente dos monográficos dedicados a Paús: Piano Works ii y un disco en torno a su producción violística titulado Madera ocaso.

Desde el año 2011, la obra de Ramón Paus se edita al completo por UME / The Music Sales Group.

En la Ciudad Swing, apuntes de verano

Alguna vez leí que Leonard Bernstein no hacia distingos entre música popular y erudita. Su tabla de medir se situaba más bien en el peso específico de la música que se le presentaba, sin importarle nada procedencias y estilos.

En la Ciudad Swing intenta hacerse eco lejano de la música popular estadounidense, lo cual irá en ocasiones inevitablemente unido a esa amalgama de músicas de raíz que conforman el jazz, tomando de él fraseos a lomos de un swing trepidante. Otras veces mi Ciudad Swing hace uso de paletas modales ligeramente pervertidas y habitadas de melodías de una cierta vocación funambulista. En ocasiones nos detendremos súbitamente frente a columnas de color que nos convoquen a un cierto religare.

Ciudad Swing se despereza con un ostinato en compás de amalgama sobre el que se juega y se habla de todo.

 

Mercedes Zavala

mercedeszavala.blogspot.com.es

Mercedes Zavala foto para Tres CantosMercedes Zavala (Madrid, 1963) cursó sus estudios de piano y composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, continuando esta última materia en Inglaterra con Malcolm Singer, una figura fundamental en su desarrollo como compositora, ampliando después su formación con otros profesores y cursos, especialmente en el campo de la interpretación de la música del siglo xx, la pedagogía y la composición. Estrena sus primeras obras en 1989 en Inglaterra, y después en Austria, EE. UU. y Turquía, algunas por ella misma al piano. Ya en la década siguiente sus obras suenan en Francia, Alemania, Israel, Islas Azores, Letonia, Australia y Nueva Zelanda, Suecia, etc. Su presencia es asidua a partir de 2010 en países como Italia, Dinamarca, México, Cuba o EE. UU. Se han realizado homenajes a su trayectoria compositiva, con conciertos monográficos y homenajes en Italia (Novara) y en España (Elche).

En la programación española su obra tiene presencia continuada desde 1999, habiendo recibido encargos y estrenado obras en la mayoría de los festivales y ciclos que se ocupan o se ocupaban de la música contemporánea de creación como el Festival de Alicante, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival de Otoño de Madrid, Aula de Reestrenos de la Fundación Juan March, Festival de Tres Cantos, Auditorio Nacional, temporada del CDNM, etc.

Acumula varias publicaciones discográfica, entre las que citamos las más recientes: Implacable Ice, para piano, dentro del proyecto internacional Antarctica realizado por Antonietta Loffredo; Colección de Haikus, para piano, en las manos de Jeffrey Jacob; o el reciente disco monográfico Margen poético 2000-2015, publicado por la revista Sibila (Fundación BBVA-Columna Música).

En la música didáctica, que siempre ha cultivado, ha publicado diversas obras pedagógicas como Haikus para percusión (Quodlibet) y Cuestión de matices (Música y Educación), entre otras.

Ha sido requerida para participar en diversos Jurados de Composición (Premio Reina Sofía de composición musical Fundación Ferrer Salat, Jóvenes creadores de la SGAE-CDMC, Fundación Magistralia, Premio creación INJUVE, Premio de Composición Colegio de España en París, Premio Nacional de Música, etc.).

Además de la composición, Mercedes Zavala ha desplegado una actividad continuada en el terreno de la docencia y la investigación. Así, en 1990 traduce y prologa el Tratado de Fuga de André Gedalge (Ed. Real Musical) e ingresa como profesora numeraria de armonía y melodía acompañada en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, continuando hoy su labor docente en el Conservatorio Profesional de Música «Teresa Berganza» de Madrid como jefa del Departamento de Composición y profesora de fundamentos de composición, armonía, análisis y música del siglo xx. En este Conservatorio ha sido subdirectora (encargada de las actividades artísticas y culturales) en 1992 y en el período 2005-2008. En 1990 participó en el Grupo Secuencia, del que fue miembro fundador como compositora y pianista, donde inicia una etapa de exploración de los aspectos teatrales, visuales, gestuales y sociológicos del hecho musical, labor que continuó como intérprete de sus propias composiciones hasta 1996. Ha investigado sobre música africana, realizando varios cursos de percusión, el último viajando a Senegal en 1996.

En 1997 se licencia en Filosofía en la UNED, adquiriendo la suficiencia investigadora en la especialidad de Estética.

En 2000 ingresa en el Consejo del Instituto de Investigaciones Feministas de la UCM de Madrid y realiza numerosas publicaciones, conferencias y cursos sobre compositoras, entre los que cabría destacar los impartidos en 2005 a los profesores de la Comunidad de Madrid, en 2006 en los Cursos de Verano de El Escorial (UCM) o su participación como profesora de la asignatura «Género y expresión estética en la Música» en el Máster en Feminismo y Género de la Universidad Complutense de Madrid desde su creación en el año 2005. También ese año se incorpora como Asesora Técnica del Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos de Madrid, en el que permanece hasta 2008. En 2007 realiza para Radio Nacional de España el programa Álbum de Canciones, dedicado a la canción de concierto y el lied. También desde ese año hasta 2010 asume la presidencia de la Asociación Mujeres en la Música, dirigiendo el Festival de Getxo y la temporada de conciertos de Madrid, poniendo también en marcha el Proyecto Pedagógico de Música y Género.

Actualmente compagina su actividad compositiva con la docencia en el Conservatorio Profesional de Música «Teresa Berganza» de Madrid, donde se encuentra a cargo del Departamento de Composición.

Gran parte de su obra ha sido escrita por encargo o a petición de excelentes intérpretes y grupos, que desempeñan un importante papel como motivadores y promotores de su música.

Prepara para 2017-18 el estreno de obras y proyectos discográficos en Italia, España, Alemania y EE. UU.

Play The Piano

Play The Piano para piano solo es un encargo del Festival de Tres Cantos, en Homenaje a Tomás Marco en su 75 aniversario. La obra, que será estrenada por Mario Prisuelos, está inspirada en estos versos de Charles Bukowski:

PLAY THE PIANO DRUNK

LIKE A PERCUSSION INSTRUMENT

UNTIL THE FINGERS BEGIN TO BLEED A BIT

TOCA EL PIANO BORRACHO

COMO UN INSTRUMENTO DE PERCUSIÓN

HASTA QUE LOS DEDOS EMPIECEN A SANGRAR UN POCO