Encargos del 19º Festival de Música de Tres Cantos «Diacronías»

José Pavel Carmona Ayala

José Pavel Carmona Ayala

José Pavel Carmona Ayala

Compositor mexicano nacido en 1992 en el estado de Puebla. Inició sus estudios formales musicales en 2011, estudiando el nivel Técnico Profesional en Música con especialización en Guitarra clásica en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. En 2015 llega a vivir a Madrid para proseguir con sus estudios musicales e iniciarse formalmente en la composición en el Centro Superior Katarina Gurska bajo la tutela de David del Puerto, donde obtuvo su titulación en 2019. Ha estrenado obras en CentroCentro Cibeles, y en 2019 estrenó su obra para orquesta La ermita destruida en el Ilustre Colegio Oficial de Médicos de Madrid. En México ha estrenado en el Centro Cultural Universitario la obra Distopía, para ensemble de cámara.

Wyr

La obra Wyr fue creada en una etapa de mi vida de suma introspección y meditación. La obra está muy dirigida a esas sensaciones, sobre todo teniendo la oportunidad de trabajar con la sonoridad única del saxofón. Fue el momento perfecto de elaborar una obra con esas características.

Sobre todo, Wyr tiene una carga melódica importante para el saxofón tenor. De los cuatro instrumentos, en mi perspectiva, este representa una ciudad en la madrugada en silencio y aquella alma solitaria caminando por esas calles, ensimismada en sus pensamientos. Los demás instrumentos cumplen con el papel de un clima lluvioso y edificios fríos, dependiendo de si la textura es contrapuntística o coral, con una armonía constante, como viento soplando entre los edificios de esa ciudad en la madrugada.


María Eugenia Luc

Maria Eugenia Luc

Maria Eugenia Luc

Compositora ítalo-argentina nacida en 1958. Se formó en la Universidad Nacional y en el Laboratorio de Investigación y Producción Musical de Buenos Aires, Civica Scuola di Milano, École Nationale de Musique, Universidad de París viii y Universidad del País Vasco. Fue becaria de los Cursos Internacionales Musikinstitut Darmstadt, Accademia Chigiana di Siena, Música en Compostela, Manuel de Falla, Latinoamericano de Música Contemporánea, bajo la dirección de Dieter Schnebel, Luis de Pablo o Brian Ferneyhough, entre otros.

Su música ha sido premiada por el Instituto IILA de Roma, IMEB-Bourges, ISCM, SGAE, Gobierno Vasco, Ars Contemporanea y se ha estrenado en auditorios y festivales de Europa, Asia y América como Teatro Colón y Teatro San Martín (Buenos Aires), Kunitachi College of Music (Tokio), Hochschule für Musik (Berlín), Royal Academy of Music (Londres), Théâtre du Port de la Lune (Bordeaux), Palazzo Chigi Saracini (Siena), Instituto Goethe de París, Accademia Internazionale della Musica (Milán), Palacio Euskalduna y Museo Guggenheim (Bilbao), Auditori MACBA (Barcelona), Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Kursaal (San Sebastián), World Musica Days (Estonia), Quincena Musical Donostiarra, Musica Strasbourg, Aujourd’huy Musique (Perpignan), Festival Arte e Scenza di Roma, Ciclo de la Fundación BBVA (Bilbao), Lemmensinstituut (Bélgica), CIMUCC (Sevilla), Des Masters Sur les Ondes (Radio-Televisión Suiza) y Nova Electronic Music Festival (Wroklaw-Polonia), entre otros.

La obra de María Eugenia Luc ha sido interpretada por solistas de la talla de Mario Caroli, Harry Sparnaay, Pierre Strauch, Séverine Ballon, Claude Delangle, Jean Geoffroy, Jean Pierre Dupuy; grupos como Exaudi Vocal Ensemble, Bout du Monde, Barcelona 216, Taller Sonoro, PluralEnsemble, Espai Sonor, Proxima Centauri, Dúo Levent, Cello Octet Amsterdam, Moscow Contemporary Music Ensemble, Grupo Enigma, Sigma Project, S3 Spectral Sax Style; y orquestas como Euskadiko Orkestra Sinfonikoa, Bilbao Orkestra Sinfonikoa, Orquesta Sinfónica de Rosario, Orquesta Sinfónica Nacional de Buenos Aires, bajo la batuta de los maestros Robert Treviño, Nacho de Paz, Michal Nesterowicz, Ernest Martínez Izquierdo, Pablo González, Juanjo Mena, Marcelo de Jesús, Manuel Nawri o Emmanuel Siffert.

Antigua profesora del Conservatorio Superior y Universidad Nacional de Buenos Aires y colaboradora de Ricordi Milano, entre 2003 y 2010 fue profesora de la de Facultad de Bellas Artes y del Máster en Artes Escénicas de la Universidad del País Vasco. Actualmente es profesora de Musikene-Centro Superior de Música del País Vasco.

María Eugenia Luc ha dictado seminarios y conferencias invitada por la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena, Hochschule für Musik y Universität der Künste de Berlín, Liceu de Barcelona, Casa del Suono y Conservatorio di Parma, LIEM-Madrid, Universidad de Salamanca, Universidad de País Vasco, Comune di Milano, Conservatorio Superior de Buenos Aires y Universidad Nacional de Rosario (Argentina) y Universidad Nacional de Montevideo (Uruguay).

Ha sido jurado de concursos internacionales de composición como el Ciudad de Tarragona, Cortos de Leioa, Miniaturas Electrónicas, Francesc Civil, Francisco Escudero, Pablo Sorozábal, etc.

En febrero de 2016 recibe la distinción Melómano de Oro otorgada por la revista especializada Melómano por su disco monográfico De aire y luz, un ciclo inspirado en el Chi Kung.

En 1997 funda KURAIA (Grupo de Música Contemporánea) y en 2001 KLEM (Laboratorio de Electroacústica y Multimedia). Actualmente es la directora artística del Ensemble KURAIA.

Forest

Forest es un sexteto para flauta en do, clarinete en si bemol, saxofón alto, violín, violonchelo y piano, encargo del Festival de Música de Tres Cantos y dedicado a Sax-Ensemble.

El bosque, para mí, es uno de los más hermosos ecosistemas de la tierra. En él encontramos innumerables tipos de animales y vegetales. Es una fuente de vida, generador de oxígeno y protector del agua y del suelo, y contribuye a evitar adversidades climáticas. Protegiendo la naturaleza, protegemos nuestra vida.

Forest intenta evocar un paisaje sonoro bucólico, sumergiendo el imaginario del oyente en el universo sonoro del bosque: el sonido del viento y de los pájaros enmarcados por el más profundo silencio, el murmullo del agua del arroyo o de la lluvia repiqueteando en las hojas de los árboles, la naturaleza expandiéndose y respirando en la lentitud de su devenir…

El planteamiento técnico-estético de esta obra versa alrededor de configuraciones sonoras estructuradas en tres ejes: timbre, tiempo y espacio. El timbre se organiza en dos variables claramente perceptivas: sonidos de espectro armónico (organizando la interválica a partir de espectros armónicos cromáticos y microtonales) y ruido (se presenta desde cuatro aspectos diferenciados que generalmente se producen de forma conjunta: saturación instrumental, saturación cronométrica, saturación en frecuencia y saturación dinámica). El tiempo se organiza explorando los límites de la percepción temporal en relación a los límites de la configuración formal, partiendo del concepto bergsoniano de la subjetividad de la percepción temporal, y estableciendo una reciprocidad fractal entre microforma y macroforma. El espacio acústico es concebido como contrapunto espacializado y dialéctico: vertical u horizontal, bifocal o multifocal, cercano o lejano, seco o reverberante, fijo o móvil, pleno o vacío de sonido.


Marisa Manchado Torres

Marisa Manchado Torres

Marisa Manchado Torres

Madrileña formada en España, Italia, Suecia y Francia. Maîtrise y DEA en Ciencias y Tecnología de la Música por la Universidad Vincennes-Saint Denis, París viii. Especialista en electroacústica (EMS-Estocolomo; LIEM-Madrid y París viii-Vincennes-Saint Denis). Compositora de reconocido prestigio, con tres óperas en su catálogo. Profesora de Lenguaje Musical con una experiencia en conservatorios de más de 30 años. Ha recibido números premios. Ha sido subdirectora general de Música y Danza del INAEM-Ministerio de Cultura (2007-08) y vicedirectora del Conservatorio Profesional de Música «Teresa Berganza» (2001-06 y 2008-17). Es licenciada en Psicología, especialidad Clínica (UCM-UP Comillas).

Tríptico: Las edades

Esta obra para voz y piano, escrita expresamente para Elena Gragera y Antón Cardó, consta de tres canciones que recorren tres espacios interiores diferentes con un común denominador: los textos poéticos que cantan tanto como la música. Los dos primeros llevan letra y música mía, el tercero solo la música.

El primero, Un cuento y un poema, está inspirado en el cuento El abanico de Emilia Pardo Bazán y en el poema de José Ramón Ripoll «Antes de Ser» del poemario La lengua de los otros, premio Loewe de Poesía 2017.

El segundo, Versos para mi madre, está inspirado en el poema «Nieves» de José del Saz Orozco.

El tercero es Soledades. He andado muchos caminos ii, cuyo texto es de Antonio Machado, de cuya muerte se cumplen 80 años en este 2019. Aquí elegí de «Soledades», su segundo poema.

Una vez más la poesía, que es música con palabras, me lleva a los sonidos y a los silencios, llenos de significados.

1.- Un cuento y un poema

Texto: Marisa Manchado, inspirado en Emilia Pardo Bazán (El abanico) y José Ramón Ripoll («Antes de Ser»)

Un cuento…
Tapar, tapar… que ojos que no ven, corazón que no quiebra…
El sistema del abanico… de las cosas feas, lo mejor es defenderse con el abanico…
No se mira lo que no puede evitarse.
La sociedad esgrime un abanico inmenso.
Y un poema…
Antes,
el tiempo y siempre,
Aprender…
…y fingir.

2.- Versos para mi madre

Texto: Marisa Manchado, inspirado en el poema de José del Saz Orozco «Nieves»

Rosa de las nieves
Rosa de las nieves del amor derretido
Así dices y así cantas…
Y el sigilo y el silencio,
La dulzura… y la amargura…
Volver a empezar, siempre de nuevo…
Quedamente, poco a poco, susurrando una canción
Te fuiste.
Y como dice nuestro amigo
Nieves: Los que no te conocimos
pero conocemos tu historia
también te queremos

3.- Soledades. ii. He andado muchos caminos

Texto: Antonio Machado

He andado muchos caminos,
he abierto muchas veredas;
he navegado en cien mares,
y atracado en cien riberas.
En todas partes he visto
caravanas de tristeza,
soberbios y melancólicos
borrachos de sombra negra,
y pedantones al paño
que miran, callan, y piensan
que saben, porque no beben
el vino de las tabernas.
Mala gente que camina
y va apestando la tierra…
Y en todas partes he visto
gentes que danzan o juegan,
cuando pueden, y laboran
sus cuatro palmos de tierra.
Nunca, si llegan a un sitio,
preguntan adónde llegan.
Cuando caminan, cabalgan
a lomos de mula vieja,
y no conocen la prisa
ni aun en los días de fiesta.
Donde hay vino, beben vino;
donde no hay vino, agua fresca.
Son buenas gentes que viven,
laboran, pasan y sueñan,
y en un día como tantos,
descansan bajo la tierra.


Alejandro Pastor

Alejandro Pastor

Alejandro Pastor

Alejandro Pastor (1993) nace en un pueblo de Alicante donde comienza su carrera musical como pianista, terminando sus estudios profesionales en el Conservatorio Profesional de Música «Rafael Rodríguez Albert» junto a la pianista y pedagoga Eva Coves.

La improvisación y la creación musical llegan a él como una nueva vía para su desarrollo como músico, lo que le impulsa a trasladarse a Madrid para estudiar composición en el Centro Superior Katarina Gurska junto a profesores como David del Puerto, César Viana, Sergio Luque, David Ruiz Molina o Víctor Carbajo.

Su repertorio se divide en música de concierto y música para medios audiovisuales, habiendo compuesto tanto para agrupaciones de cámara como para instrumentos solistas. Sus partituras han sido influenciadas por la música antigua, el impresionismo, el jazz, el rock o la electrónica.

Con su obra Mosaicos (2019) para violín, saxofón y piano, gana la Beca de la FKG 2019.

Actualmente sigue cursando sus estudios superiores de composición.

Dos esquinas

El trabajo del compositor del siglo xxi se ha convertido, a mi modo de ver, en una tarea de lo más desconcertante. Estamos influenciados por cantidades ingentes de música, de nuevos géneros que aparecen año tras año. Tenemos toda la música a nuestro alcance y esto puede ser un impedimento cuando toca reflexionar acerca de lo que uno quiere aportar con su música.

Es por ello que, en vez de tomar un solo camino, he optado por la mezcla de géneros y elementos que puedan resultarme estimulantes. Sin un dogma fijo, siempre cambiante. El objetivo es conseguir un sonido fresco a través de la mezcla.

La obra Dos esquinas está inspirada por esta idea, la de poder combinar fantasiosamente todo aquello que removiera mis entrañas en aquel momento sin que me sintiese forzado a cerrarme a un género en concreto.

Por tanto encontraréis armonía de jazz, contrapunto, ritmos provenientes del rock, etc., entre otros elementos que prefiero reservarme en este escrito para no acabar con la curiosidad del oyente.


Ana Vázquez Silva

Ana Vázquez Silva

Ana Vázquez Silva

Compositora formada con los maestros Javier López de Guereña, Antón García Abril y David del Puerto. Estudia piano y canto en los conservatorios de Gijón y Oviedo. Completa su especialización en composición en la Escola de Altos Estudos Musicais (EAEM) y con clases magistrales en los Cursos Universitarios Internacionales de Música en Santiago de Compostela o el Curso Internacional de Música de Benidorm con los maestros Maximino Zumalave y Ricardo Llorca. Ha cursado el Máster MCAV de Composición para Audiovisuales en el Centro Superior Katarina Gurska y es especialista en Orquestación para Cine y TV por la Berklee College of Music.

Ha sido premiada por sus trabajos en concursos como el Internacional de Composición Associazione Ravel, el Galician Folk Songs, el premio Andrés Segovia-José Miguel Ruiz Morales y, más recientemente, los Play Station Talents 2018. Sus obras han sido estrenadas en lugares como el Teatro Jovellanos de Gijón, el Auditorio Caja de Música del Palacio Cibeles, el Auditorio Sony y la Sala Berlanga de Madrid, el Aula Magna del Conservatorio de Valencia, el Tenri Cultural Institute de New York o la Sala Mompou de Barcelona.

Ha impartido talleres sobre «Escucha Musical Activa» y «Creación Musical en los Medios Audiovisuales» en centros de enseñanza como los conservatorios profesionales de Oviedo y Guadalajara y la Scuola Italiana de Madrid, y ha sido ponente en congresos como el de «Mitos Germánicos en el Audiovisual» de la Universidad de Alcalá de Henares tratando el tema de la música en el audiovisual.

Entre sus recientes trabajos se encuentran Cardinales para el quinteto de viento O’Globo, encargo de los alumnos del Programa de Emprendimiento de la Escuela Superior Reina Sofía; Añada de los dos hermanos y Suaños, dos canciones líricas para guitarra y voz para el Dúo Atlántica; Existencia, tres canciones líricas para mezzosoprano, coro de voces graves femeninas y piano, para el Ensemble Proyecto Compositoras; Proyecto Añadas, espectáculo multidisciplinar que incluye un ciclo de canciones y piezas para soprano y piano; y 9Musas para viola y piano, encargo del Festival de Música de Tres Cantos para Isabel Villanueva.

9Musas

9Musas para viola y piano, como su propio nombre indica, hace referencia a las nueve musas griegas, divinidades inspiradoras de las artes de las que Euterpe es considerada la musa de la música. Aunque, supuestamente, cada musa está relacionada con una rama artística diferente, no deja de sorprender que en la mayoría de ellas existan referencias musicales: Calíope transporta una lira, Clío es representada con una trompeta, a Erató se la representa portando una cítara y Polimnia es la musa de los cantos sagrados. Parece, por tanto, que el arte musical está en las musas muy presente, más cuando son las compañeras del séquito de Apolo, dios olímpico de la música, lo cual, encaja a la perfección con el marco de este concierto: Ellas hacen música.

9Musas es una obra de estructura circular, que abre con una invocación a las musas procedente de La Teogonía de Hesíodo, quien además fue el primero en dar los nombres de las nueve.

La obra está dividida en cuatro partes y se cimenta sobre escalas modales que conducen a sonoridades exóticas y arcaicas. La Invocación dará paso a Susurrando ideas, una segunda parte de carácter lírico y sugerente en la que, efectivamente, escucharemos el susurrar de las musas. La tercera parte, Soliloquio, es, después de la corriente de ideas, una reflexión a solas y en voz alta. Y, finalmente, Las musas danzan, tan estrecha era en Grecia la relación entre la música, la poesía y la danza. Esta es una pieza que se acerca al tema con variaciones, de carácter contrapuntístico y ágil. Cierra el círculo una coda de carácter coral, descanso tras el baile.