Calendario | Programación 2019

CONCIERTO INAUGURAL EN FAMILIA

Georges & Thomas **

 

Mario Carro, Música y Coordinación

Jorge Redondo, guion, vídeo y animación

 

Intérpretes:

Neopercusión: Rafa Gálvez, Eloy Lurueña, Jordi Sanz y Guille Masiá

Fernando Pérez, videojockey

Ane Miren Lafuente, actriz gestual

Chiribita Estudio, efectos de sonido

 

** Estreno absoluto

Billetterie Weezevent

 

Georges & Thomas

Espectáculo multidisciplinar que tiene como base la música para cuarteto de percusión (interpretada magistralmente por Neopercusión, que celebra de esta manera su 25 Aniversario) y que cuenta con una puesta en escena que incluye diversos y atractivos elementos, entre los que destacan una película de animación de nueva creación, un vídeo-jockey interviniendo en tiempo real, sonidos electrónicos y la aparición de una actriz gestual con un abanico de sorpresas guardado en su sombrero.

La obra parte de una propuesta argumental sencilla (el encuentro entre George Méliès, soñador, mago del cine, y Thomas Alva Edison, inventor, empresario) pero de una coyuntura ciertamente compleja y, por ello, se contemplan varios niveles de lectura, de forma que pueda resultar interesante y entendible para todo tipo de público. Sencillamente, es una nueva manera de presentar música actual, rompiendo el viejo protocolo del concierto clásico, innovando y utilizando los avances de la tecnología para encontrar la simbiosis perfecta entre música, imagen y escena.

Georges & Thomas se empezó a gestar durante el invierno de 2016 en largas conversaciones y cafés interminables entre sus creadores, Mario Carro y Jorge Redondo. Los hechos narrados no son reales (no está estrictamente documentado un viaje de Méliès a Nueva York a finales de 1908 para cerrar acuerdos con Edison) aunque sí es cierto que hubo contratos comerciales entre ambos. El resto de efemérides, aunque inspiradas en datos reales, han sido tratadas con una amplia licencia poética.

Los dos titanes protagonistas de Georges & Thomas (al igual que los dos creadores del espectáculo) comparten su afición al cine, la magia y la música, un gran entusiasmo por la vanguardia y la tecnología, además de una enérgica y poderosa determinación. La película ha intentado describir las complejas relaciones entre ellos, así como ilustrar su mundo onírico y emocional, haciendo de paso un retrato parcial de una época convulsa y extremadamente creativa.

La música, elemento central del espectáculo, surge de la necesidad del compositor de explorar el maravilloso (e infinito en posibilidades) universo de la percusión. De esta manera, Carro, a lo largo de los siete movimientos en los que está dividida la obra, realiza un viaje sonoro en el que nos muestra numerosas variantes tímbrico-emocionales que van desde la incontestable fuerza de los instrumentos de parche hasta la sutileza de un vibráfono tocado con arco, pasando por la picardía de la pequeña percusión o las misteriosas resonancias de los metales, y que culmina con un luminoso tutti en el que entran en acción todos los instrumentos de láminas y llena nuestros oídos de ricos elementos armónicos, melódicos, rítmicos (¡por supuesto!) y de color como si de una orquesta sinfónica se tratara.

Proyecto realizado con la Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2017, Fundación BBVA.

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Mario Carro (Madrid, 1979)

Es un compositor español que está desarrollando una brillante carrera al margen de la presión que marcan los tópicos de la música contemporánea. Las herramientas imprescindibles con las que cristaliza su música son una gran transparencia armónica, una exquisita paleta tímbrica y una completa simbiosis entre elementos de la tradición y de la vanguardia, todos ellos al servicio de una búsqueda constante de la belleza.

Entre sus fuentes habituales de inspiración están la literatura, la pintura o la contemplación de la naturaleza, pero siempre sin olvidar que su principal motivación al escribir es el propio proceso vital y la toma de consciencia del mismo. Además, sus obras se caracterizan por una perfecta e idiomática escritura que le acerca a los intérpretes, los cuales, a su vez, y siguiendo la fina cadena de la complicidad, consiguen acercar su música al público.

Su obra está siendo difundida cada vez con mayor frecuencia en salas de concierto y festivales de países de Europa y América. Ha recibido premios como ALEA III Boston University, Premio del Colegio de España en París o el Premio Internacional de Composición Universidad de Zaragoza. Recientemente le ha sido otorgada la prestigiosa Beca Leonardo a Creadores Culturales de la Fundación BBVA.

 

 

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Neopercusión

Es un grupo radical militante de la música de vanguardia y creador de innovadoras experiencias musicales, sonoras y transmediales, en las que integra de manera regular recursos como las nuevas tecnologías, el vídeo, nuevos formatos escénicos y una gran variedad de géneros: música contemporánea, intuitiva, performance, teatro musical contemporáneo, clásica, ópera, improvisación libre, étnica, electrónica experimental, fusión, jazz, cine y música en vivo, etc. Conscientes de que «somos lo que tocamos» [Juanjo Guillem dixit], Neopercusión lleva 25 años fomentando y difundiendo la expresión del presente a través de los sonidos y el pensamiento musical contemporáneos.

Neopercusión colabora de manera habitual con algunos/as de los más importantes solistas y grupos españoles y extranjeros: Cuarteto Arditi, Markus Stockhausen, Sigma Project, Iñaki Alberdi, Asier Polo, Amores Grup de Percussió, Raquel Andueza, Celia Alcedo, Tambuco, Antonio Serrano, Andreas Prittwitz, Karolina Leedo, Roy Mercure, Speculum, Jaime del Val, Xelo Giner, Versus 8, Pilar Fontalba, Ricardo Descalzo, Ensemble d’Arts, Manuel Blanco, ensemble reflexion K, etc.

Desde sus inicios, Neopercusión mantiene un importante compromiso con la difusión y estímulo de la música de nuestro tiempo, encargando y estrenando decenas de piezas de algunos/as de los autores/as más importantes de la actualidad, así como de jóvenes compositores/as. Neopercusión mantiene una política de encargos y programación aplicando el criterio de paridad de género, lo que ha provocado que en la actualidad sea el grupo español que a más compositoras hace encargos e interpreta.

Por medio de la colaboración con otros intérpretes, compositores, creadores y artistas de otras disciplinas, el uso de las nuevas tecnologías, la experimentación con nuevos medios sonoros y visuales, así como innovadores formatos escénicos, Neopercusión ha logrado dar forma a propuestas escénicas innovadoras que le han situado a la cabeza de la vanguardia musical española.

Neopercusión es desde 2008 Grupo Residente del Distrito de Chamberí-Ayuntamiento de Madrid, donde organiza tres festivales dedicados a la música y al arte más innovadores: KONEKT@rte sonoro, Ritmo Vital, y desde 2018 el Festival mAdrid aCTUAL.

«Epos, música, drama y palabra»

Equipo artístico:

Marta Knörr, mezzosoprano

Naphta dúo: Javier Gregori Arriaza (violín), Juan Aguilera Cerezo (violonchelo)

Santiago Báez Cervantes, piano

Raúl Marcos, actor y dirección escénica

Juan Carlos Ares, ingeniero de sonido

Alberto Arroyo y Sergio Blardony, electrónica

Juan Vicente Chuliá, vídeo y documentación audiovisual

 

Sergio Blardony

Detrás de los párpados

Sobre un poema de Pilar Martín Gila

Para mezzosoprano, violonchelo, vídeo y electrónica

 

Alberto Arroyo

Una persecución en la sombra

Sobre un poema de Guadalupe Grande

Para mezzosoprano, violín, violonchelo y electrónica

 

César Camarero

Conservaba en la retina el negativo de la imagen circular

Sobre poemas de Menchu Gutiérrez

Para actor, violín, violonchelo, piano y objetos
Billetterie Weezevent

El Proyecto

EPOS Lab es un proyecto interdisciplinar pionero en España que indaga en la relación entre música y palabra en un contexto escénico. Para explorar esta relación, el laboratorio involucra a los diferentes actores del proceso creativo para generar nuevas propuestas artísticas: compositores, artistas sonoros y escritores, cantantes, intérpretes instrumentales, actores, improvisadores, responsables de la puesta en escena, artistas visuales o ingenieros de sonido. Un equipo interdisciplinar que, a lo largo de las sesiones, crea una serie de piezas musicales en las que el texto tiene una especial relevancia.

Cada edición del laboratorio se desarrolla a través diferentes sesiones de investigación que desembocan en el montaje de un concierto escénico, a partir de las obras y experiencias trabajadas durante todo el año con los compositores y poetas invitados.

Presentamos así este concierto escénico, un trabajo minucioso y cuidadosamente elaborado que quiere dar a conocer unas formas diferentes de observar el vínculo entre palabra y música, una relación compleja y apasionante que el equipo artístico de EPOS Lab quiere mostrar a través de este montaje.

En el año 2018 el laboratorio ha invitado a dos compositores, uno de extensa trayectoria como César Camarero (Premio Nacional de Música 2006), y un autor joven con gran proyección, como es Alberto Arroyo. Las poetas invitadas a esta edición han sido dos pesos pesados de la literatura española, Menchu Gutiérrez y Guadalupe Grande. Sobre sus textos han trabajado los compositores invitados. El programa se completa con una obra de Sergio Blardony sobre un poema de Pilar Martín Gila, ambos miembros de EPOS Lab, que abrirá el espectáculo. Además del equipo residente del laboratorio, esta edición se cuenta con el NAPHTA DUO y con el pianista Santiago Báez Cervantes.

 

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Comentario sobre las obras

Detrás de los párpados / SERGIO BLARDONY

Esta es una obra del detrás, de lo que está escondido, oculto o velado por otra cosa o por parte de la misma materia. El autor de la música, Sergio Blardony, toma como punto de partida un poema del libro La cerillera de Pilar Martín Gila. Es el texto poético el que facilita el discurso musical y sonoro. El compositor trabaja desde la aprehensión del poema y no desde su análisis y posterior traslación al plano musical. No hay procedimiento aunque sí proceso. Un proceso que, poco a poco, va haciendo aflorar estratos inicialmente ocultos que, de algún modo, ya estaban presentes.

Por otro lado, el vídeo –realizado con la mezzosoprano Marta Knörr como modelo- cumple un papel escénico importante. La propia cantante convive en la escena con su imagen proyectada. Esta parte visual resulta un elemento vertebrador en el proceso de escritura de la pieza, a través de un proceso de ida y vuelta bastante peculiar. El compositor toma como punto de partida el poema, éste pasa a la música, la música propone pautas formales a la imagen que, a su vez, sirve de vertebración del discurso musical, manteniéndose una relación de tensión dialéctica constante con la palabra a lo largo de todo el proceso compositivo.

Cualquier breve descanso. Caerá en un sueño.
Pasa, entonces, el río.
Sólo veo lo que ya no voy a entender. Por debajo pasa.
Este es el sitio. Donde hay que hundirse.
Pasa. Por debajo del cauce.
Toda reiteración. Dónde podremos perdernos.
Suspendidos. Detrás de los párpados.
A esto me entrego. Unos días.
Pasa más allá aún. De lo soñado.
Por debajo incluso del rumor. Del agua.
Ha cruzado un año. De repente.
Sé que ahora no puedo pedir nada.
Un deseo, casi una orilla.

(del libro La cerillera de Pilar Martín Gila)

Una persecución en la sombra / ALBERTO ARROYO

Durante el proceso que ha tenido lugar en EPOS Lab 2018, es en varios niveles donde música y palabra han acabado encontrándose: por un lado, la sensación constante de llamada insistente, de alguna manera incómoda y hasta casi existencial, inunda tanto el poema de Guadalupe Grande como la propia composición de Alberto Arroyo en Una persecución en la sombra. Por otro lado, una aproximación mucho más abstracta también tiene lugar a la hora de abordar el proceso creativo: los primeros encuentros entre la poeta y el resto del equipo de EPOS Lab 2018 nos llevaron a descubrir que una de las intenciones de Guadalupe al escribir es la búsqueda, la caza de algo fugaz. Precisamente su “(…) persecución en la sombra” como crítica a la claridad del lenguaje resume de forma perfecta la intención artística en la que hay coincidencia entre la poeta y el compositor. Es la reivindicación de lo abstracto, la apuesta por la inteligencia del oyente, del lector, del público, lo que también nos une.

Otro de los elementos fundamentales donde música y palabra se encuentran es en la idea de un fondo que está latente en los versos de Gatas pariendo. Y es en ese sentido en el que la dimensión escénica juega un papel importante; en ella, la ya mencionada llamada constante adquiere su presencia espacial a través de un viaje por parte de los intérpretes hacia el fondo de la sala, desde donde se simula la lejanía de la llamada, de la “onomatopeya tan poco lírica, indescifrable, como un sonido tan innombrable”, el “maullido”, el “sonido desvalido”…

Así escuchas las cosas de tu vida como el maullido de un gato al fondo del jardín
Te despiertas de madrugada y oyes al fondo muy al fondo ese remoto maullido de gato recién nacido
Y un verano y luego otro y otro más hasta llegar a esta noche
al fondo del jardín, al fondo
Así escuchas las cosas de tu vida así escuchas las cosas del mundo
a oscuras, de noche, palpando el susto de no entender o el de no querer hacerlo
y ese gato no para de maullar y es una pequeña herida no sabes de qué no sabes de quién pero ahí está insistiendo clamando de hambre y noche al borde del peligro al borde del abismo al borde del jardín Un coche un faro luego nada
Y continuarán los maullidos más obcecados que tú y si no al tiempo al próximo verano hasta la próxima canícula sonido desvalido como una onomatopeya tan poco lírica que no la puedes escribir
Qué pensaría nadie y quién es nadie al leer esa onomatopeya tan líricamente escrita tan ridículamente sonora tan de viñeta de posguerra
pero suena suena cada noche
y tú para bordear la herida dices que así empezó todo con una onomatopeya con un sonido tan innombrable como ahora el insistente maullido del gato recién nacido convocándote a dónde pidiéndote qué
O quizá algo peor tal vez nada te convoque y tan solo te despiertas en medio de la noche para ser el precario testigo que no puede traducir una onomatopeya Eso te dices para bordear la herid
Escuchas el maullido del gato Has visto un hombre sin brazos al borde de la limosna has rozado la pierna perdida del animal en el pantalón doblado sobre el muslo has comprendido que la muerte es un ramo de rosas de plástico atado a un faro
y te has preguntado qué palabra no es una onomatopeya indescifrable, una persecución en la sombra
Un verano y otro al fondo de la vida al fondo del jardín al fondo del sonido
Y las gatas siguen pariendo sin parar y paren onomatopeyas que al fondo del jardín resuenan como las tablas de la ley

(del libro Hotel para erizos de Guadalupe Grande)

Conservaba en la retina el negativo de la imagen circular / CÉSAR CAMARERO

Realizada sobre un texto poético de Menchu Gutiérrez, esta obra de César Camarero se proyecta de una forma muy particular sobre el espectador-oyente. Una forma que comparte con el poema que porta. Ambos comparten una cercanía a lo teatral que, sin embargo, los vincula estrechamente a su condición poética y musical. No se podría decir que Conservaba en la retina el negativo de la imagen circular sea una obra de teatro musical pero tampoco que deje de serlo.

El compositor afirma en una entrevista: …tiene mucha importancia para mí la experiencia poética de lo cotidiano; cada momento está lleno de estímulos, de colores, de olores, de sensaciones únicas, de instantes que ya no volverán a repetirse nunca, experiencias psicológicas cotidianas que están íntimamente relacionadas con la práctica de escribir música… En la obra, es quizá el peculiar trabajo sobre el tiempo, sobre la presencia realzada del instante, sobre lo que ya no volverá a repetirse, lo que produce esa sensación de encontrarnos ante una acción teatral que, sin embargo, no nos desvincula en ningún momento de su origen musical y poético. Todo lo contrario: se teje una red de atracciones muy difícil de discernir pero que plantea al espectador-oyente el fascinante reto de la experiencia artística.

El mago hace su aparición en la arena del circo. Las luces comienzan a bajar de intensidad, comienzan a comprimirse los átomos blancos hasta invertirse… hasta que, bajo la carpa, sólo queda iluminado el círculo de arena que ahora parece un agujero blanco.
El mago guarda silencio en el centro del agujero, ceremoniosamente, lleno de una absoluta inmovilidad, una inmovilidad cataléptica -se diría que postrado verticalmente- mientras se somete a un ejercicio de concentración coriácea. El público, ingrávido, desmaterializado, sólo atiende al imán del agujero, y espera, espera obligado por la fuerza de lo inevitable.
Transcurrido el círculo del tiempo, el mago extrae de su boca una palabra. Se oye: “blanco”. Una vez pronunciada, la palabra continúa gravitando sobre el agujero blanco ininterrumpidamente. Se oye “blanco” no de forma repetitiva, sino constante; no la vocal final, sino todas y cada una de las letras.
Con los oídos llenos de esta palabra y de su significado, el público cae en un trance nervioso. Hasta que el diapasón múltiple de la letra “b”, de la letra “l”, de la letra “a”, de la letra “n”, de la letra “c” y de la letra “o”, comienza a vibrar, a distorsionarse… y se empieza a escuchar una “n”, una “o”…, letras desnudas…, hasta que, nítidamente, se oye: “negro”

(del libro Viaje de estudios de Menchu Gutiérrez)

Con la colaboración del Consejo Territorial de Madrid de SGAE

Proyecto realizado con el apoyo del programade ayudas a la creación del Ayuntamiento de Madrid

«Música para el tercer milenio»

Jesús Reneses, saxofón (ganador de la Tribuna Sax-Ensemble para Jóvenes Intérpretes 2018)

 

Johann Sebastian Bach
Allemande de la «Partita ii» (BWV 1004)

Marin Marais
Folies d’Espagne

Jean Denis Michat
Kokoro

Bruno Mantovani
Bug

Claude Debussy
Syrinx

 Georg Philipp Telemann
Fantasie núm. 12

 

Jesús Reneses

Jesús Reneses Quintero, nacido en Madrid el 10 de febrero de 1995, comienza sus estudios de saxofón en la Escuela de Música de Huete. Posteriormente continúa sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música «Pedro Aranaz» de Cuenca con Miriam Castellanos y Luis Miguel Castellanos, finalizando con matrícula de honor.

Ha recibido clases magistrales de Otis Murphy, Claude Delangle, Arno Bornkamp, Vincent David, Jean-Denis Michat, Francisco Martínez, Marcus Weiss, Phillip Braquart, Jeans-Yves Formeau, Manuel Miján, José Antonio Santos, Simón Diricq, David Pons y Antonio Felipe Belijar, entre otros.

En 2017 obtiene el Primer Premio en la International Saxophone Competition «Buffet Crampon» en Categoría D (absoluta) celebrado en Braga (Portugal). En 2014 es finalista en el Concurso Nacional Jóvenes Intérpretes «Ciudad de Cuenca» y obtiene el Premio al alumno finalista mejor clasificado del Conservatorio «Pedro Aranaz». En 2013 es seleccionado como Primer clasificado en la Fase Autonómica del 12º Intercentros Melómano y en la Fase Final, por decisión del tribunal calificador, se le concede una Mención Honorífica. En noviembre de 2013 actuó en el Ciclo de Conciertos «Música para el Tercer Milenio» del Grupo Sax-Ensemble en el Centro Cultural Nicolás Salmerón de Madrid.

Forma parte del Ensemble de Saxofones del Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París, del Ensemble de Saxofones del Conservatorio Superior de Música de Aragón, del grupo Band Fever Ensemble, del Cuarteto de Saxofones Sickle-Sax y de Zaragosax Quintet.

Ha actuado en solitario y con distintas formaciones en Huete (Cuenca), Priego (Cuenca), Cuenca, Ciudad Real, Madrid, Zaragoza, Calanda (Teruel), Huesca, Montefrío (Granada), Tarragona, Braga (Portugal), Gap (Francia) y París (Francia).

Curso de composición

Jornadas de Colaboración CNDM y Festival de Música de Tres Cantos. Impartido por María Eugenia Luc

 

Escuela de Música de Tres Cantos (Centro Cultural «Adolfo Suárez»)
De 16 horas a 19:30 horas: 1ª jornada del curso

En esta edición contamos con la presencia de la compositora María Eugenia Luc, que expondrá su pensamiento musical, analizará sus obras y nos hablará de su visión de la creación musical en el tiempo presente.

Prestaremos especial atención a su partitura más reciente, escrita por encargo del Festival, y que estrenará nuestro conjunto residente, Sax-Ensemble, el sábado 26 de octubre a las 20 horas.

El carácter interactivo del curso será primordial en su desarrollo, por lo que el alumno será invitado a participar de manera activa en todas las sesiones y discusiones.

La última parte del curso, sábado 5 por la tarde, estará específicamente dedicada a la lectura y discusión de partituras de los alumnos.

Como es habitual, cerraremos el curso con una mesa redonda, moderada por David del Puerto, en la que alumnos y público en general podrán charlar y debatir con María Eugenia Luc antes del concierto de la jornada.

La inscripción al curso es gratuita y se podrá efectuar en la dirección de correo info@fest3cantos.com.

«Tres siglos para la viola femenina»

Isabel Villanueva, viola

Leonor Salinero, piano

 

Ana Silva
9Musas *
i. Invocación
ii. Susurrando ideas
iii. Soliloquio
iv. Las musas danzan

Clara Schumann
Tres romances opus 22
i. Andante molto
ii. Allegretto
iii. Leidenschaftlich schnell

Pilar Jurado
Título por determinar*

Rebecca Clarke
Sonata para viola y piano
i. Impetuoso
ii. Vivace
iii. Adagio

* Estreno absoluto, encargo del Festival de Música de Tres Cantos

Billetterie Weezevent

 

«Tres siglos para la viola femenina»

El programa de este concierto está dedicado a la música escrita por compositoras destacadas de los siglos xix, xx y xxi. Comenzando por Clara Schumann, cuyo bicentenario celebramos este año, los Tres romances opus 22, originalmente escritos para oboe y piano, son una joya de la música escrita en forma de miniatura lírica. Tres piezas melódicas donde en la versión de viola y piano se podrá percibir la calidad humana expresiva de este instrumento.

La Sonata para viola y piano de la compositora inglesa Rebecca Clarke escrita en 1919 cumple este año su cien aniversario. Es una de las grandes obras del repertorio para viola y, sin duda, también una obra de referencia en el repertorio para dúo. Tres movimientos variados llenos de virtuosismo, pasión, variedad de estilos del posromanticismo y una carga emocional intensa, son los ingredientes de esta obra maestra.

Este concierto incluye dos estrenos mundiales para viola y piano de las compositoras Ana Silva y Pilar Jurado, nombres indispensables del panorama nacional musical.

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Isabel Villanueva

Isabel Villanueva es una de las violistas más importantes de la nueva generación a nivel internacional. Ha actuado como solista con orquestas en Europa, Rusia, Medio Oriente y China. Ha sido pionera en presentar conciertos en numerosos lugares donde hasta entonces nunca se había programado la viola como solista. En 2013 se convirtió en el primer intérprete de viola en ofrecer recitales en Irán. Se involucra de manera especial en divulgar las nuevas composiciones, interpretando obras, muchas dedicadas a ella, de compositores como Sofía Gubaidúlina, Mauricio Sotelo, Golfam Khayam, Jordi Cervelló, Houtaf Khoury, Tomás Marco, José Zárate o Betty Olivero.

En 2015 recibió reconocimiento institucional de Marca España como «embajadora del talento español en el mundo». Ese mismo año recibió el Premio El Ojo Crítico de la Música Clásica de RNE, y recientemente, en 2019, ha sido galardonada con el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid de Música Clásica; es la primera vez que ambos reconocimientos se otorgan a un violista.

En recientes temporadas Villanueva ha actuado con Los Solistas de Moscú, Sinfónica Nacional de Estonia, Sinfónica RTVE, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Navarra, Nacional de Andorra, Filarmónica de Málaga, Filarmónica de Líbano, Sinfónica de Estambul, Sinfónica Estatal New Russia y Glasperlenspiel Sinfonietta de Tallinn, entre otras. Ha interpretado conciertos para viola desde el Barroco hasta la actualidad bajo la batuta de Michel Plasson, Jacek Kaspszyk, Yaron Traub, Paul Daniel, Andres Mustonen y Lior Shambadal, y se ha presentado como solista en salas y festivales de todo el mundo, además de desarrollar una intensa actividad docente, así como en el ámbito de la música de cámara.

En la temporada 2019-20 Villanueva debutará en Latinoamérica con las orquestas sinfónicas de Brasilia, Monterrey, Boca de Río y Jalisco, además de conciertos con Los Solistas de Zagreb y la JORCAM interpretando Paganini, Berlioz, Weber y Kancheli.

Su discografía incluye una colaboración con Sony Classical en 2017 del Concierto para viola de José Zárate junto a la Orquesta de Extremadura. Su primer trabajo personal, Bohèmes (octubre 2017) lo presentó junto al pianista François Dumont para IMMStage. Este álbum ha recibido reconocimientos en The Strad, Melómano de Oro, Revista Scherzo, Top 10 Revista RITMO, y en 2018 se consolida como Mejor Álbum de Música Clásica del Año en los Premios MIN de la Música Independiente, siendo la primera vez que se premia un álbum de viola.

Isabel nació en Pamplona (1988) comenzando su formación musical en su ciudad natal y posteriormente en el Royal College of Music de Londres, Academia Musicale Chigiana de Siena y Haute École de Musique de Ginebra con los profesores Igor Sulyga, Lawrence Power, Nobuko Imai y Yuri Bashmet. Ha sido galardonada en concursos de viola como el Mravinsky Competition de San Petersburgo, Yuri Bashmet Competition de Moscú y Beethoven Competition en la República Checa.

Involucrada en causas humanas, es Embajadora Cultural de la fundación Prim’enfance en Ginebra. Isabel Villanueva toca con una viola Enrico Catenar (Turín, 1670) y utiliza cuerdas Thomastik-Infeld.

 

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Leonor Salinero

Según la crítica, es una de las pianistas más brillantes de su generación, que la pondera como «una pianista aristocrática de carácter, presencia, sonido, musicalidad, elegancia, una gran intérprete de la música de los grandes autores».

Su actividad concertística como solista la ha llevado a actuar por distintos auditorios de Madrid, Valencia, Málaga, Jaén, Toledo, Salamanca, Palma de Mallorca, Leipzig, Cagliari, Salzburgo, Róterdam, Amberes y América Latina. Muy interesada también en la música de cámara, se presenta habitualmente en recital con Yuval Gotlibovich, Denis Severin y Wolfgang Klos.

Desde 2009, es invitada como profesora repertorista de instrumentos en los fórum internacionales de música de Orihuela y Torrelodones, siendo asistente en las clases de los maestros Mauricio Fuks, Yuval Gotlibovich, Wolfgang Klos, Lina Tur, Denis Severin y Will Sanders.

Es, además, licenciada en Pedagogía por la Universidad de Málaga y desde 2004 es profesora de Piano por oposición, habiendo ejercido docencia en el Conservatorio Profesional de Música «Manuel Carra» de Málaga y desde 2007 en el Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria de Madrid, especializándose en Repertorio de Instrumentos y Canto con piano.

Curso de composición

Jornadas de Colaboración CNDM y Festival de Música de Tres Cantos. Impartido por María Eugenia Luc

 

Escuela de Música de Tres Cantos (Centro Cultural «Adolfo Suárez»)
Mañana, de 10 horas a 14 horas: 2ª jornada del curso
Tarde, de 16 horas a 19 horas: 3ª jornada del curso
19 horas: mesa redonda con María Eugenia Luc, moderada por David del Puerto

En esta edición contamos con la presencia de la compositora María Eugenia Luc, que expondrá su pensamiento musical, analizará sus obras y nos hablará de su visión de la creación musical en el tiempo presente.

Prestaremos especial atención a su partitura más reciente, escrita por encargo del Festival, y que estrenará nuestro conjunto residente, Sax-Ensemble, el sábado 26 de octubre a las 20 horas.

El carácter interactivo del curso será primordial en su desarrollo, por lo que el alumno será invitado a participar de manera activa en todas las sesiones y discusiones.

La última parte del curso, sábado 5 por la tarde, estará específicamente dedicada a la lectura y discusión de partituras de los alumnos.

Como es habitual, cerraremos el curso con una mesa redonda, moderada por David del Puerto, en la que alumnos y público en general podrán charlar y debatir con María Eugenia Luc antes del concierto de la jornada.

La inscripción al curso es gratuita y se podrá efectuar en la dirección de correo info@fest3cantos.com.

«Bicentenario Clara Schumann»

Elena Gragera, mezzosoprano

Antonio Cardó, piano

 

Clara Schumann
Liebst du um Schönheit opus 12/2 (Friedrich Rückert)
Die stille Lotosblume opus 13/6 (Emanuel Geibel)

Fanny Mendelssohn
Wanderers Nachtlied (Johann Wolfgang von Goethe)
Fichtenbaum und Palme (Heinrich Heine)

Paulina García Viardot
Canción de la Infanta («6 Chansons du XVe siècle»)
Madrid (Alfred de Musset)

Emiliana de Zubeldia
Asomada a tu puerta (Canción de Romancillo / Castilla y León)
Jota («Seis Melodías Populares Españolas»)

Matilde Salvador
Morena me yaman (Canción sefardí)
Villancico trastocado («La casa de los celos») (Miguel de Cervantes)

Consuelo Díez
Escuché al viento (Ruth Levin)
No espantes el silencio (Lola de la Serna)

Clara Janès
De Planto (Donde la hija se lamenta al padre de la ausencia del amor y a la vez se duele de su muerte)
«¡Ah! Dónde está mi cuerpo»
«Aquel señor que en la tierra se quedó»
«Río en mar es tu nombre»
«Mi árbol del alma»
«¡Ah!»

Marisa Manchado
Tríptico: Las edades *
i. Un cuento y un poema. Texto: Marisa Manchado, inspirado en Emilia Pardo Bazán (El abanico) y José Ramón Ripoll («Antes de Ser»)
ii. Versos para mi madre. Texto: Marisa Manchado, inspirado en el poema de José del Saz Orozco «Nieves»
iii. Soledades. ii. He andado muchos caminos. Texto: Antonio Machado

Alma Mahler
Bei dir ist es Traut (Rainer Maria Rilke)
Die stille Stadt (Richard Dehmel)

Clara Schumann
Ich stand in dunklen Träumen opus 13/1 (Heinrich Hein)
Das Veilchen (Johann Wolfgang von Goethe)

* Estreno absoluto, encargo del Festival de Música de Tres Cantos

 

«Bicentenario Clara Schumann»

Mujeres compositoras de los siglos XIX al XXI

Programa monográfico cuyo «hilo conductor» se centra en la propuesta creativa de las mujeres compositoras en el género lied —o bien canción de concierto entre una voz y un piano—. Abarca en su composición los siglos xix al xxi, y el ámbito lingüístico/cultural de los poetas elegidos va de Heine, Goethe o Rilke a Cervantes, Machado o Clara Janés —poeta y compositora—.

Con el punto de partida musical de Clara Schumann —de la que celebramos el 200 aniversario de su nacimiento—, Fanny Mendeslssohn y Alma Mahler, deambula dibujando sugestivos meandros en las particulares estéticas de la mediterránea Matilde Salvador o la navarra Emiliana de Zubeldia, precedidas por Paulina García Viardot, compositora romántica nacida en París e hija de Manuel García —tenor, compositor, maestro y creador de la moderna escuela española de canto—. Hasta llegar a término mediante la propuesta de dos de nuestras más significativas compositoras españolas de la generación actual, como Consuelo Díez —inspirándose en poemas de mirada femenina— y Marisa Manchado, que nos presenta un estreno absoluto: un tríptico con textos propios inspirados en los cuentos de Emilia Pardo Bazán, en poemas de José Ramón Ripoll y José del Saz Orozco, y rindiendo pleitesía a los versos de Antonio Machado en la tercera de las canciones.

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Elena Gragera

Elena Gragera se especializa en lied de la mano de Irmgard Seefried, Edith Mathis, Gérard Souzay y Aafje Heynis. Obtiene el Diploma Superior con distinción del Koninklijk Conservatorium de La Haya.

Ha desarrollado diversos programas de carácter temático, focalizados en el lied y la canción artística española. Ha cantado en los principales teatros y salas de España, y ha colaborado con las principales orquestas del país, así como en los festivales internacionales de Santander, Quincena Musical de San Sebastián, Shakespeare de Santa Susanna (Barcelona), Fundación Botín, Museo Picasso de Málaga, Ciclo de Lied del Teatro en la Zarzuela (Madrid), Ciclo Goethe y la Música en la Fundación Barrié de la Maza (A Coruña), Museo del Prado o Museo Thyssen-Bornemisza, Wigmore Hall de Londres, Musiekgebouw o Kleine Concertgebouw de Ámsterdam, Halle aux Grains de Toulouse, Salle Cortot de París, Gemeentemuseum de La Haya, Sala Chaikovski de Moscú, Teatro Ermitage de San Petersburgo o teatros Juárez de Guanajuato y Bellas Artes de México DF.

Colabora con directores como Helmut Rilling —gira por diversas ciudades alemanas con cantatas de Bach—, William Christie, Antoni Ros Marbà, Josep Pons, José Ramón Encinar, Ramón Torrelledó, Enrique García Asensio —estreno de la Sinfonía núm. 3 de David del Puerto—, Álvaro Albiach, Alexis Soriano —estreno de la Cantata de José Pradas de Joaquín Nin-Culmell— y Fabián Panisello —estreno en España de la ópera ¡Oh eternidad! de Mata Lambertini, entre otros—.

De entre sus grabaciones destacan Veinte canciones populares de Joaquín Nin Castellanos, la integral de la obra para voz y piano de Ernesto Halffter, un monográfico de Josep Soler, Cánticas sefardíes (todas en Columna Música), canciones de Robert Gerhard (Harmonia Mundi), integrales de las canciones de Isaac Albéniz (Calando) y de Federico Mompou, La Celestina de Pedrell, con dirección de Antoni Ros Marbà (Autor), Pasión Argentina con el Octeto Ibérico de Violonchelos y Elías Arizcuren (Challenge), Canciones para Don Quijote y Mujeres cervantinas (Colección «Músicas sobre Cervantes» de la UAM) o la primera grabación mundial de la ópera Glauca y Cariolano de José Lidón con la Orquesta del Museo Estatal de San Petersburgo y Alexis Soriano.

 

Antón Cardó

Estudió en el Conservatori Superior de Música del Liceu de Barcelona y en la Schola Cantorum de París, donde se graduó con Premier Prix de Piano y Música de Cámara. Más tarde trabajó con Rosa Sabater. El profesor Paul Schilhawsky, director del Mozarteum de Salzburgo, lo encaminó hacia el repertorio liederístico, siendo invitado por Miguel Zanetti para formar parte del profesorado de la Escuela Superior de Canto de Madrid, donde ocupó una cátedra de Repertorio Vocal.

Su importante relación profesional con Gérard Souzay, que lo eligió como acompañante para sus clases magistrales, lo llevó a especializarse en lied, así como en mélodie francesa. También ha sido pianista oficial en clases magistrales de Jessye Norman, Edith Mathis y Arleen Auger. Ha ofrecido recitales en las principales salas y teatros de España, así como en las salas Gaveau, Lucernaire y Wagram en París, Wigmore Hall de Londres, Acropole de Niza, Halle aux Grains de Toulouse, Sala Diligentia de La Haya, recitales de canciones de Mompou en el Vredenburg de Utrecht y Kleine Concertgebouw de Ámsterdam, entre otros.

Ha realizado diversas giras invitado por el Ministerio de Asuntos Exteriores y el Instituto Cervantes. Ha interpretado integrales de los lieder de Alban Berg y de Robert Gerhard, compositor del que ha llevado a cabo la recuperación de su obra para canto y piano y que ha grabado con Elena Gragera para Harmonia Mundi. También ha estrenado obras de Xavier Montsalvatge, Leonardo Balada, Josep Soler, Carmelo Bernaola y Eduardo Rincón, entre otros.

Ha preparado y presentado trabajos musicológicos y de divulgación sobre autores como Albéniz, Brahms o Hugo Wolf. Ha sido invitado a impartir cursos en la Universidad Nacional de Seúl y en los conservatorios de Versalles, Varsovia y San Petersburgo. Acaba de publicar El Lied romántico alemán para Alianza Editorial.

«Brisas hispánicas», recital de piano

Xavier Ricarte, piano (ganador del Premio al Mejor Intérprete de Música Contemporánea en el 17º Intercentros Melómano)

 

Maurice Ravel
Alborada del Gracioso

Manuel Castillo
Tocata

Benet Casablancas
Dos piezas

César Cano
Jácara núm. 1 opus 23

José Luis Turina
Scherzo

Serguéi Prokófiev
Sonata núm. 3 opus 28

David del Puerto
Dos colores de Mayo

Alejandro Pastor (ganador del Concurso de Alumnos de Composición del Centro Superior Katarina Gurska)
Dos esquinas *

Israel David Martínez
Estudio núm. 3: La b

Alberto Ginastera
Danzas argentinas,
«Danza del viejo boyero»
«Danza de la moza donosa»
«Danza del gaucho matrero»

* Estreno absoluto, encargo del Festival de Música de Tres Cantos

 

«Brisas hispánicas»

Brisas hispánicas es el título de un programa que alude a las diferentes ramas que los compositores de nuestra tierra han abordado a lo largo de los años. Y también obras que poseen un trasfondo y una inspiración en la música española. Una rica combinación de características muy particulares entre obra y obra, y también rasgos muy distintos entre ellas.

El rasgueo palpable de la guitarra y los cristalinos planos sonoros de la Alborada del Gracioso de Maurice Ravel se oponen al rudo carácter y frenesí de la Tocata de Manuel Castillo.

Benet Casablancas en sus Dos piezas recoge los diáfanos colores del compositor francés y los lleva a un estilo particular, mientras que César Cano muestra otro componente del Siglo de Oro español, la jácara, recordando el gracioso que se señala en la pieza de Ravel.

El sarcasmo que se nos presenta en la Jácara se transforma en ritmo y potencia en el Scherzo de José Luis Turina, nieto de Joaquín Turina. Y es en Dos colores de Mayo donde luce un tenue brillo y un bello viso de tonalidades en el programa. Esta obra de David del Puerto representa una pequeña gota en su mar de ideas. Una pequeña muestra que su alumno, Alejandro Pastor, recoge, mostrando claramente el talento de maestro y discípulo. La obra Dos esquinas que presenta el joven compositor, será el estreno absoluto y encargo del Festival de Música de Tres Cantos.

 

Xavier Ricarte

El pianista catalán ha sido valorado por la crítica como una joven promesa con sensibilidad, energía e intensidad musical tanto por la interpretación como para la improvisación. A los 9 años hace su primer recorrido de conciertos en Cataluña pasando por salas de concierto como L’Atlàntida de Vic, el Auditorio Enrique Granados de Lleida, el Auditorio AXA de Barcelona, entre otras, gracias al Concurso de Juventudes Musicales. A lo largo de los siguientes años, obtuvo Matrícula de Honor en los estudios de interpretación clásica y en Música de Cámara.

Hasta ahora ha recibido formación de maestros como Carlos Julià, Katia Michel, Akiko Ebi, Peter Jablonski, Vladimir Viardo, Dmitri Alexeev y András Schiff, entre otros.

Su faceta musical también se extiende a una formación de música jazz y de improvisación en diferentes estilos.

El Primer Premio en el Concurso BBVA Talento Individual y el Premio al Mejor intérprete de Música Contemporánea en el Intercentros Melómano, le han dado la salida a nivel nacional y a nivel internacional, en solitario, con música de cámara y junto a orquestas como la Jeune Orchestre de Chamber de París, interpretando conciertos para piano y orquesta de Bach, Mozart y Grieg.

La Fundación Ferrer-Salat le ha otorgado las prestigiosas «Beca Jóvenes Promesas» y dos veces consecutivas la «Beca de Excelencia» para poder estudiar en el Conservatori del Liceu, donde actualmente estudia cuarto curso de Grado Superior bajo la tutela de Alba Ventura y Stanislav Pochekin.

También forma parte del equipo de Press-Music, portal online de difusión y crónica musical.

«Sonata romántica»

Grupo Instrumental Siglo XX

Florian Vlashi, violín y dirección

Dominique Malec, violín

Raymond Arteaga, viola

Ruslana Prokopenko, violonchelo

 

Ramón Otero Moreira
Hidrotopías

Título por determinar
Obra ganadora del Concurso Internacional de Composición «María de Pablos» **

Manuel Balboa
Cuarteto-Homenaje a E. M. Foster

Octavio Vázquez
Galician Folk Dances for Violin and Cello (vl & vc) **

María de Pablos
Sonata romántica
     i. Allegro decisivo
ii. Andante appassionato
iii. Tempo di menuetto
iv. Adagio-Allegro con fuoco-Presto

Consuelo Díez
Tres estancias para una reina (obra ganadora del Concurso Internacional de Composición «María de Pablos») **

** Estreno absoluto

 

«Sonata romántica»

Cuando se creó el GISXX en 1997 hubo dos objetivos: uno, presentar las mejores obras de cámara de siglo xx hasta nuestros días, y dos, apoyar la nueva música de los compositores españoles.

El concierto de hoy tiene que ver exclusivamente con este segundo punto, las obras españolas de cámara en un arco de 100 años, desde la música «olvidada» de la gran compositora segoviana María de Pablos hasta el estreno mundial del compositor gallego residente en EE. UU. Octavio Vázquez, pasando por la melancólica música de Manuel Balboa y el misticismo contemporáneo de Ramón Otero.

El título del programa, Sonata romántica, está relacionado con el cuarteto de María de Pablos que cierra el programa. Pero, por otro lado, la palabra «romántica» no hace alusión al Romanticismo como un periodo musical, sino a la idea de la emoción pura, llena de libertad creativa que exalta los sentimientos. Y, en este programa tan diverso en formas de expresión, como en un espejismo sonoro, están las obras en frente una de otra para convencernos de que las nuevas generaciones no imitan a «los mayores», sino que están buscando lo mismo que ellos buscaban, tal como aconsejaban los antiguos poetas japoneses.

 

Grupo Instrumental Siglo XX

El siglo xx es un renacimiento musical moderno. Está considerado como el siglo en que sucedió el segundo gran cambio en la historia de la música. El primero aconteció en la Antigüedad, cuando se sustituyeron las escalas griegas y medievales por las escalas temperadas. Eso se consideró una agresión de lo diabólico (diabulus in música).
El segundo gran cambio sucedió en el siglo xx, cuando se derrumbó el edificio tonal de casi tres siglos sustituyéndose por el sistema de música serial hasta la estocástica. Por fin la música es libre y no hay más códigos dominantes y tabúes.

El Grupo Instrumental Siglo XX nace en 1996 por iniciativa del violinista Florian Vlashi como homenaje al «Gran Siglo». La finalidad del Grupo es interpretar las mejores obras de música de cámara desde el principio del siglo xx hasta nuestros días. Sus miembros son instrumentistas solistas de la Orquesta Sinfónica de Galicia. Provienen de más de diez países diferentes y todos ellos cuentan con una dilatada experiencia y labor profesional de altísimo nivel en este campo. El número de intérpretes varía dependiendo de las obras del programa que se interpreta.

Otro fin de su intensa y amplia actividad es la sensibilización de los jóvenes con ese mundo fascinante que es la música contemporánea. En los conciertos didácticos «Los niños y la música moderna», conferencia-conciertos o clases abiertas, el público joven se acerca con naturalidad y sin complejos a la música de Stravinski, Berio o Xenakis.

La estrecha colaboración con el compositor es esencial. El GISXX ha estrenado 144 obras de compositores españoles y tiene en su extenso repertorio más de 200 obras de autores desde Stravinski, Falla y Strauss hasta Messiaen, Xenakis y Ligeti.

Ha participado en diversos certámenes nacionales e internacionales, como los festivales de música de A Coruña (Festival Mozart), Santiago, Salamanca, Bilbao (Festival de Música del Siglo xx), Madrid (CDMC), festivales de Durres (Albania), Verona (Italia), etc., obteniendo las mejores críticas y fervorosas aplausos del público.

Sus conciertos han sido grabados por Radio Clásica-Radio Nacional de España y transmitidos por La 2 y por el Canal Internacional, como el concierto en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

El Grupo está abierto a nuevos proyectos y espacios combinando la música nueva con la poesía, teatro, danza, vídeos y artes plásticas.

De sus publicaciones destacan el disco Manuel Balboa – Obra completa para conjunto instrumental (Verso), el DVD O arame, ópera en un acto de Juan Durán y el disco con las obras ganadoras del xxiii Jóvenes compositores 2012 Fundación Autor-CNDM.

«Ítaca»

Sigma Project Quartet

Jesús Torres
Tenebrae (inspirada en el texto litúrgico del Viernes Santo de Tomás Luis de Victoria sobre la decantación del sonido y el recuerdo de la memoria)

José María Sánchez-Verdú
Khôra II (inspirada en el recuerdo de las danzas sufís)

Pavel Carmona
Wyr *

Ludwig van Beethoven
Cuarteto núm. 15

* Estreno absoluto, encargo del Festival de Música de Tres Cantos

Ítaca

Cuando emprendas tu viaje hacia Ítaca
has de rogar que el viaje sea largo,
lleno de aventuras, lleno de experiencias.
[…]
Que sean muchas las mañanas en que llegues
a puertos nunca antes vistos y muchas las ciudades
en las que vayas a aprender de sus sabios.
Ten siempre a Ítaca en tu pensamiento.
Más no hagas con prisas tu camino,
mejor que dure muchos años
y atracar, viejo ya, en la isla,
rico de cuanto habrás ganado en el camino.
No has de esperar que Ítaca te enriquezca.
Ítaca te ha concedido ya un hermoso viaje.
Sin ella, jamás habrías partido.
Y si la encuentras pobre,
no es que Ítaca te haya engañado.
Sabio como te has vuelto, con tanta experiencia,
sin duda sabrás ya qué significan las Ítacas.

(Extracto del poema «Ítaca» de Konstantin Kavafis)

Kavafis supo transmitirnos a través de su poema que el camino, el viaje, es más importante que la meta, que a lo largo de ese camino vamos adquiriendo experiencias, conocimiento y que sepamos hacerlo disfrutando de cada tramo de ese viaje.

Sigma Project, en su tarea de investigación sonora, emprende un viaje sin límite enriquecido con la sabiduría de aquellos que emprendieron otros viajes y traduciendo sonoridades y sentidos antiguos con lenguajes nuevos (Beethoven), sin miedo a lo desconocido, añadiendo nuevas experiencias sonoras creadas en cada puerto (Jesús Torres, José María Sánchez-Verdú, Pavel Carmona), en cada ciudad de su recorrido, descubriendo otras culturas, otras maneras de entender la vida.

Sigma Project Quartet

«Summam indicabimus signo Σ». Con esta afirmación, uno de los más importantes matemáticos de la historia, Léonard Euler, inauguró en 1755 el empleo de la letra sigma mayúscula (decimoctava del alfabeto griego) como símbolo de suma. Desde entonces, sigma representa el sumatorio de una serie finita o infinita de elementos.

«¿Resulta necesario presentar en 2017 a Sigma Project? La ingente cantidad de conciertos que han ofrecido —principalmente en Europa y Latinoamérica— durante su década de andadura, el volumen de obras encargadas durante dicho periodo, y la participación en seis producciones discográficas avalan su notorio papel como una de las más activas agrupaciones españolas, como embajadores de la música de creación reciente». José Luis Besada, IRCAM / Universidad Strasbourg (París, abril 2017).

La marcada modularidad de Sigma Project abarca desde la homogeneidad de la formación de cuatro instrumentos iguales hasta su máxima diversidad instrumental, cualidad muy valorada en las actuales tendencias compositivas. De sus conciertos se sale convencido de haber asistido a una verdadera experiencia para los sentidos, donde afloran sensaciones nunca antes percibidas, el espacio acústico, la liturgia visual y ese sonido que se revela autentico.

Sus componentes se sienten imaginativos exploradores, capaces de estimular a los compositores que se acercan a su sonido, generando nuevas gramáticas en un verdadero laboratorio sonoro, como los proyectos desarrollados con los premios nacionales de música Alberto Posadas (ciclo «Poética del Laberinto»), José María Sánchez-Verdú (ciclo «KHÔRA»), José Manuel López López y Jesús Torres, entre otros, dinámica que se ha traducido hasta el momento en más de 50 estrenos realizados.

Este posicionamiento actual de Sigma Project no hace sino enriquecer sus exitosos programas Bernstein, Utopías y el que presentan en Tres Cantos, Ítaca, con presentaciones en Jamaica, EE. UU., México, Argentina, Chile, Colombia, así́ como en su circuito habitual europeo y español (Francia, Italia, Polonia, Alemania, Madrid, Sevilla, Valencia, Bilbao, San Sebastián, etc.).

Sigma Project desarrolla su actividad con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, el Instituto Etxepare del Gobierno Vasco y la fundación alemana Ernst Von Siemens Musikstiftung.

«Concierto de clausura»

Sax-Ensemble

Santiago Serrate, director

Maite Raga, flauta

Salvador Salvador, clarinete

Francisco Martínez, saxofón

Carlos Higón, trompeta

Pilar Serrano, violonchelo

Jaime Fernández, percusión

Anthony Mádigan, narrador

 

María Eugenia Luc
Forest *

Jesús Villa-Rojo
Recordando a Falla ***

William Walton
Façade, an entertainment, versión 1951
Sobre los poemas de Edith Sitwell (1887-1964) versión en inglés para narrador y una flauta (piccolo), un clarinete (clarinete bajo), un saxofón alto, una trompeta, un percusionista y un violonchelo

* Estreno absoluto, encargo del Festival de Música de Tres Cantos

*** Estreno de versión
Billetterie Weezevent

El presente programa se inicia con un estreno de la compositora argentina María Eugenia Luc que es encargo del Festival de Música Tres Cantos para un plantilla de flauta, clarinete, saxofón, violín, violonchelo y piano.

Del compositor de Brihuega, Jesús Villa-Rojo (que no necesita presentación), Enrique Franco escribiría en El País con motivo de su estreno: «Jesús Villa-Rojo, en su calidad de compositor, dio a conocer su nueva obra Recordando a Manuel de Falla. Escrita por la misma combinación que el Concerto de don Manuel, Villa-Rojo parte para su extenso y consistente trabajo de dos datos fundamentales: la sonoridad fallesca de los seis instrumentos y el empleo como materia estructural de estilemas muy breves procedentes de la partitura de Falla, cuyo origen, en un caso como en otro, está en el madrigal renacentista De los álamos vengo madre. Alterna Villa-Rojo cierto estatismo, producto de las repeticiones circulares, con la andadura y la línea de continuidad a la que en ningún momento renunció el músico gaditano. Todo está realizado con orden y claridad en la intención y en el lenguaje, de modo que este nuevo homenaje a Falla llegó a todos y fue recibido con largos aplausos».

La obra Façade (Fachada) marcó la entrada en la escena musical inglesa de un joven Walton que podría considerarse un candidato poco probable para convertirse en uno de los compositores británicos más importantes del siglo xx. La música está escrita sobre unos poemas de Edith Sitwell. Los poemas, abstractos, con referencias de la reina Victoria a las diosas griegas en los salones de música ingleses y amantes de España, están llenos de «disonancias y asonancias» con alusiones a la infancia infeliz del poeta y a su nacimiento en mares salvajes (en Scarborough). La música ingeniosa toma su tono de los poemas, siguiendo la idea de que Sitwell estaba escribiendo principalmente para sonido, en lugar de significado, y haciendo eco de esos sonidos. Osbert Sitwell reclamó la idea de hacer que los poemas se transmitan a un Sengerphone (un dispositivo parecido a un megáfono inventado por Herr Senger para ampliar la voz del bajo que canta el dragón Fafner en Siegfried de Wagner) atravesado por una cortina pintada. La primera actuación en 1922, llamada por Osbert Sitwell «un entretenimiento para artistas y gente de imaginación», presentó dieciocho poemas pronunciados por Edith Sitwell, acompañados por cuatro músicos (clarinete, violonchelo, trompeta, percusión) dirigidos por el compositor, ante un público de unas veinte personas.

 

Sax-Ensemble

El grupo Sax-Ensemble surge en 1987 con el objetivo de potenciar la creación y difusión de música contemporánea. Se trata de un grupo de cámara flexible integrado como base, por flauta, clarinete, violín, viola, violonchelo, cuarteto de saxofones, piano, percusión y música electroacústica, y que cuenta en los casos necesarios con la participación de otros instrumentos de viento, cuerda y la voz. En su amplio repertorio, junto a las obras tradicionales figuran principalmente partituras de autores contemporáneos, tanto españoles como extranjeros.

Su primera aparición pública tuvo lugar en 1987 en el Salón Azul del Ayuntamiento de Alicante, en el concierto de presentación de los ii Encuentros Europeos del Saxofón, dentro del marco del iii Festival de Música Contemporánea de Alicante. Desde entonces, de sus actuaciones cabe destacar las realizadas en el Museo Reina Sofía, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Auditorio Nacional de Música, Teatro Monumental de Madrid, Teatro de la Zarzuela, Festival de Música Contemporánea de Alicante, Festival de Música del Siglo xx de Salamanca, Festival de Música Española de León, Jornadas de Música Contemporánea y Festival Internacional de Música y Danza en Granada, Palau de la Música y Festival Ensems en Valencia, Festivales de Sevilla, Segovia, Bilbao, Barcelona, Málaga, Almagro, Ávila, Cádiz, etc. En Francia: Saxophonies de Angers, Universidad de Gap, Conservatorio de París, el Centro Georges Pompidou y en el Centro Andre Malraux de Burdeos, Strasburgo. En Bélgica: Jornadas Europeas del Saxofón de Dinant. En Italia: Teatro la Fenice de Venecia, Celano, Ortona, Ferrara, Fermo, Milán, Turín. En Inglaterra: Instituto de Arte Contemporáneo de Londres y Universidad de Surrey. En Canadá: Universidad de Quebec en Montreal. Estados Unidos, Escocia, Tailandia, Eslovenia, Portugal, Austria, etc.

La creación y promoción de la música de nuestro tiempo, tanto para la formación inicial del grupo, que era una formación inexistente hasta entonces (cuarteto de saxofones, piano y percusión), como en múltiples plantillas con otros instrumentos, con música electroacústica, con grupos orquestales, y para la actual plantilla con catorce intérpretes, ha sido el motor de la continuidad del grupo en estos 29 años. En 1997 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de Interpretación, principalmente por su aportación a la música española en sus diez años de existencia en aquel momento. Son numerosos los autores que les han dedicado su música y han efectuado más de 160 estrenos mundiales de compositores españoles, europeos y americanos.

El catálogo de discos del Grupo Sax-Ensemble comprende 17 discos en la actualidad, entre los cuales cabe destacar el primer monográfico de obras para saxofón de autores como Edison Denisov o de Zulema de la Cruz, junto con otros monográficos de Tomas Marco, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Carlos Cruz de Castro, Claudio Prieto, Eneko Vadillo, Jesús Villa-Rojo, Enrique Muñoz, etc. Además, se han publicado dos DVDs monográficos de los compositores Tomás Marco y Luis de Pablo.

En 1993 este grupo instituyó la Fundación Sax-Ensemble gracias al apoyo y decisión de un grupo de compositores, músicos y melómanos, con el objetivo de incentivar los encargos a compositores españoles y extranjeros y las actividades pedagógicas de alto nivel.